Het zijn vrouwen, ze zijn zwart en daar maken ze geen kunst over

Een nieuwe tentoonstelling in het National Museum of Women in the Arts confronteert twee valse veronderstellingen die ingebed zijn in de kunstwereld. Ten eerste dat vrouwen vrouwelijke kunst zouden moeten maken, en ten tweede dat Afro-Amerikaanse kunstenaars figuratieve en activistische kunst zouden moeten maken, werken die kwesties als ras, ongelijkheid, onrecht en de lange geschiedenis van geweld tegen zwarte mensen confronteren.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today richt zich op zwarte vrouwelijke kunstenaars die buiten of buiten die dictaten werken. Het werk omvat vurige abstracties gemaakt met geklonterde oceanen van verf en delicate prints met roze tinten en verfijnd maaswerk. Sommige schilderijen barsten van de muren en domineren de ruimte; anderen intieme stilte en trekken de kijker steeds dichter bij hun raadselachtige terughoudendheid. Maar ze tarten allemaal esthetische verwachtingen die geworteld zijn in de willekeurige categorieën van ras en geslacht.

Zoals een inleidend essay bij de catalogus van de show uitlegt, werken deze kunstenaars aan een periferie van een periferie van een periferie. Waar zijn deze meerdere periferieën? Overweeg, in willekeurige volgorde, eerste geslacht en abstractie. Halverwege de vorige eeuw werd het veld gedomineerd door mannen die 19e-eeuwse ideeën over de heroïsche kunstenaar en de demonische krachten van emotionele expressie opnieuw gebruikten. Vrouwen die in niet-objectieve stijlen werkten, werden over het hoofd gezien, gemarginaliseerd of verkeerd geïnterpreteerd. Als ze erin slaagden om op hun eigen voorwaarden te slagen, was dat vaak omdat de beeldtaal die ze gebruikten verwachtingen weerspiegelde over hun lichaam en gedrag, kleine, delicate gebaren, gedempte kleuren of repetitieve vormen die het oog kalmeerden. Er waren natuurlijk uitzonderingen, maar de uitzonderingen versterkten de traditionele verwachtingen op de gebruikelijke manier waarop macht zichzelf verdedigt: beschuldigt u ons ervan u uit te sluiten of te marginaliseren? Welnu, dit enige voorbeeld van het tegendeel ondermijnt uw beschuldiging.

Overweeg vervolgens ras. Het tijdsbestek dat deze tentoonstelling omvat, volgt de geschiedenis van de kunst vanaf het hoogtepunt van de burgerrechtenbeweging in de jaren zestig tot de Black Lives Matter-beweging van onze tijd. Veel van de hier opgenomen vrouwen verzetten zich tegen het trekken van kunst die expliciet politiek of direct over de zwarte ervaring was. Abstracte kunst werd vaak gezien in raciale termen, als een elitevorm die door blanke kunstenaars werd beoefend. Van zwarte kunstenaars werd verwacht dat ze mediteren over zwarte ideeën, gebruikmakend van een beeldtaal die is afgeleid van ideeën over de Afrikaanse wortels van de Afro-Amerikaanse of diaspora-ervaring.

[ De National Gallery bekijkt 10 Vermeers in context van leeftijdsgenoten van de kunstenaar ]

Mildred Thompson, een van de beste kunstenaars in deze tentoonstelling, zou daar niets van hebben. Symbolen kopiëren die je niet begrijpt, opzettelijk een vorm gebruiken die je niet weet te analyseren of te waarderen was voor mij het toppunt van prostitutie, zei ze. En ze was niet bereid om abstractie af te staan ​​aan elite-artiesten: het was misschien omdat ik met 'whitey' had geleefd en gestudeerd dat ik mijn Blackness had leren waarderen.

Het is een krachtige verklaring van onafhankelijkheid, en een die consequent wordt uitgedaagd door de ingesleten gewoonten van critici, curatoren, wetenschappers, verzamelaars en publiek.

Dus de kunst die erin zit voelt assertief, demonstratief, openhartig en onbeschaamd aan. Maar zijn er naast die gedeelde gevoeligheid ook verbanden tussen deze werken? Zijn er affiniteiten van stijl of detail die een enkel werk verbinden met de 40 andere die te zien zijn? Is er een afhaalmaaltijd die de individuele kunstenaar overstijgt?

Dit is gevaarlijk gebied. Zodra u op zoek gaat naar die verbanden, loopt u het risico datgene te beperken wat de kunstenaars hebben willen behouden: de individualiteit en de sui generis expressieve inhoud van elk werk.

hoe je je lichaam van wiet kunt reinigen

En toch lijken er sporen van gemeenschappelijkheid of verwantschap te zijn, vooral in hoe verschillende werken een gevoel van splitsing of verdeeldheid uitdrukken. Misschien geeft dit weer hoe macht op ons inwerkt, de manier waarop het verdeeldheid schept, niet alleen tussen sociale groepen, maar ook in ons zelfgevoel. Macht vertelt ons wat we zouden moeten zijn, ongeacht wie we werkelijk zijn. Het scheidt ons van onze aangeboren waardigheid en drukt zijn eigen prijs op onze ideeën, onze gaven, onze bijdragen.

In een grote en dynamische compositie van Shinique Smith, Whirlwind Dancer, is het decolleté fysiek. Het schilderij lijkt in eerste instantie een enkel, verenigd object te vertegenwoordigen, een soort draaikolk of wervelwind die het materiaal en het afval van een halve eeuw schilderkunst heeft opgezogen tot een lusvormige, golvende uitdrukking van pure energie. Maar dit zijn eigenlijk twee samengevoegde doeken en terwijl je die naad bestudeert, realiseer je je dat lijnen of vormen de scheiding slechts op enkele plaatsen kruisen. Deze metafoor van een energie die heel is ondanks dat ze verspreid is over een opening of spleet, is de essentie van de kracht van het werk.

Een sculptuur van Barbara Chase-Riboud, wiens bronzen en stoffen steles dit najaar te zien zijn in de Michael Rosenfeld Gallery in New York, is horizontaal verdeeld, met een stoffen rok die het enorme gewicht van een bronzen torso lijkt te dragen. Het beeld brengt een dialoog op gang die veel mensen innerlijk voelen, tussen een oerangst dat alles zou kunnen instorten, en een opwindend gevoel dat het ons op de een of andere manier lukt om het in de ether van het niets te houden.

[ De National Portrait Gallery selecteert kunstenaars om de Obama-portretten te schilderen ]

Jennie C. Jones wordt vertegenwoordigd door werk dat akoestische panelen gebruikt om klassieke, minimalistische abstracties te creëren. Maar de akoestische panelen brengen stiltes met zich mee, en een tweedeling die lijkt op die van het werk van Chase-Riboud: gaat het om stilte, het canvas waarop muziek is geschreven en een bevrijdende spirituele kracht, of de daad van monddood worden gemaakt, wat is de eerste en fundamentele strategie van macht?

Deze dichotomieën spreiden zich uit over de tentoonstelling. In een bijzonder adembenemend werk, een titelloos schilderij uit 1972-73 van Howardena Pindell, is het canvas bedekt met kleine stippen van hetzelfde formaat als de kleine ronde stukjes papier die overblijven bij het gebruik van een papierponsmachine. In een ander werk gebruikt ze de eigenlijke cirkelvormige papiersnippers vermengd met verf om een ​​vreemd gevormd autobiografisch werk te creëren dat verwijst naar de tijd die ze in Japan doorbracht. Maar in het naamloze acrylschilderij heeft ze hun tweedimensionale spoor minutieus geschilderd, op een canvas dat een illusionistisch patroon van vouwen bevat, alsof het hele ding in een kast was gestopt of op de grond was blijven liggen, onbeheerd, tot onvolkomenheden vorm kreeg. Het is een complex werk dat de geest start met een reeks vragen: wie heeft deze stippen gemaakt, wie heeft het papier geponst en met welk doel, en wat stond er op de pagina's van het papier dat was geponst? — die uiteindelijk wijzen op het idee van een tekst of document dat ons wordt onthouden.

Dit is de vraag waarmee de macht rigoureus het hoofd moet worden geboden: wat wordt ons onthouden? Deze tentoonstelling is één, praktisch, pragmatisch antwoord op de vraag. Maar natuurlijk roept de vraag nog een andere vraag op: wat onthouden we onszelf?

Magnetische velden: uitbreidende Amerikaanse abstractie, jaren zestig tot vandaag is tot en met 21 januari te zien in het National Museum of Women in the Arts. Ga voor meer informatie naar www.nmwa.org.