Musea wil 2 show u memez nu. Ze schuwen voorzichtig.

A. Eva en Franco Mattes, Plafondkat, 2016. (Eva en Franco Mattes/Postmasters Gallery en Team Gallery)

SAN FRANCISCO — Aan het einde van de tentoonstelling Snap+Share zullen bezoekers van het San Francisco Museum of Modern Art een kleine kat zien die op hen neerkijkt vanuit een ruw uitgesneden rechthoekig gat in het plafond. Dit is Plafondkat, een werk uit 2016 van Eva en Franco Mattes, die een opgezette kat hebben gebruikt om een ​​van de meest populaire en hardnekkige memes van het internet opnieuw te creëren: een afbeelding van de kat vergezeld van variaties op de uitdrukking Plafondkat kijkt naar je . . .

De originele Plafondkat-meme ontstond meer dan tien jaar geleden, met de slogan Plafondkat ziet je masturberen. Maar het is veranderd en geëvolueerd met de gebruikelijke snelheid van online cultuur. Een van de vele iteraties is Plafond Kat als God de Schepper, sprekend in de lolcat-meme-vertaling van de Bijbel: In het begin heeft geen lyte. Een Plafondkat zegt, ik kan haz lite? Een lichte wuz.

Net als verschillende andere werken in de show, maakt de Mattes-sculptuur fysiek iets dat voornamelijk bestaat in de gewichtloze, stofvrije omgeving van internet. Het legt zowel de speelsheid vast van de cultuur die is geëvolueerd rond het maken en delen van afbeeldingen, vooral memes, ook al suggereert het de donkere kant van toezicht en controle die latent aanwezig is in onze sociale netwerken. Het is ook het belangrijkste marketingimago voor de tentoonstelling, en misschien een van de weinige misstappen bij de samenstelling van deze anders tot nadenken stemmende en verhelderende tentoonstelling.

hoe te achterhalen waar iemand werkt door zijn ssn

Voor het geval je Ceiling Cat (die klein en boven ooghoogte is) misschien mist, heeft het museum een ​​klein briefje aan de muur: zie het kunstwerk in het midden van het plafond in deze galerij. Foto's zijn niet alleen toegestaan, maar aangemoedigd. Daarmee breekt een beetje kritische afstand af, en het ding dat anders onpartijdig werd onderzocht - hoe onze gewoonten om afbeeldingen door te geven in de afgelopen anderhalve eeuw zijn geëvolueerd - voelt plotseling meer als een spel dat we moeten spelen. De uitnodiging om deel te nemen, om een ​​foto te maken van Ceiling Cat, voelt niet goed, vooral gezien de fundamentele spanning die zich in deze show ontwikkelt - tussen participatie en conformiteit.

Maar natuurlijk zou geen enkel museum op de planeet vandaag een show over memes en snapshots en sociale media houden zonder te verwachten dat iedereen het op Instagram zou plaatsen, het zou hashtaggen op Twitter en Facebook zou overspoelen met selfies. Verzet is zinloos.

Andy Warhol zei dat hij een machine wilde zijn. Hij was het niet.

De tentoonstelling, bedacht door Clément Chéroux, senior curator fotografie van het museum, verbindt ons huidige moment met een langere, meer gecompliceerde geschiedenis van het verspreiden van beelden. Het begint in de 19e eeuw, met de opkomst van de ansichtkaart, die tegen het begin van de 20e eeuw in Frankrijk het postsysteem van dat land overweldigde met zo'n 173.000 kaarten die elke dag werden verzonden. In de jaren dertig reisden foto's ook regelmatig door draden, en telediensten brachten het nieuws van de wereld, inclusief oorlogen, rampen en andere ellende, onze huiskamers binnen, afstand en tijd instortend, zodat de wereld bijna onmiddellijk beschikbaar en pijnlijk intiem leek .

In het midden van de 20e eeuw maakten ansichtkaarten in kleur en populaire fotografie 's werelds toeristische iconen net zo vertrouwd als fastfoodketens, die circuleerden door onnoemelijke miljoenen felgekleurde afbeeldingen. En in de tentoonstelling zijn onder meer de Motorola-fliptelefoon, Toshiba-laptop en Casio digitale camera die de Franse uitvinder Philippe Kahn gebruikte om, waarschijnlijk het eerste mobiele camerabeeld, naar een groot netwerk van mensen te sturen. De korrelige digitale foto uit 1997 van zijn dochter, slechts een paar minuten eerder geboren, werd ontvangen door een publiek van ongeveer 2.000 mensen.

Wat veranderde er eigenlijk met deze revolutie in het maken van afbeeldingen, waardoor afbeeldingen onmiddellijk beschikbaar werden voor duizenden, of nu miljarden mensen? In veel opzichten niets. Sinds bijna de uitvinding van de fotografie sturen mensen afbeeldingen via de post en we verspreiden al lang vóór de uitvinding van het woord selfie afbeeldingen van onszelf. Peter J. Cohen, een verzamelaar die zich heeft gericht op snapshots en foto's in de volkstaal, heeft een breed en gevarieerd scala aan afbeeldingen verzameld waarin mensen het woord me naast een foto hebben geschreven, vermoedelijk van zichzelf. Deze omvatten tientallen jaren zwart-witfotografie en suggereren een aanhoudende en niet-verrassende consistentie in onze relatie met foto's: we gebruiken ze om ons bestaan ​​te bevestigen, om onze plaats in de wereld te markeren. Dat is niet veranderd, ook al zijn de middelen voor het maken en verspreiden van afbeeldingen geëvolueerd.

video's worden niet afgespeeld in chrome

Ook kunstenaars ontdekten geen ideeën over sociale netwerken en circulerende afbeeldingen met de uitvinding van Facebook en andere online sociale ruimtes. De mail art-beweging, waarin kunstenaars de post gebruiken om circulatiepatronen te creëren die onafhankelijk zijn van traditionele musea of ​​galerijen, en om gezamenlijke beeldcreatie uit te nodigen, dateert al lang van vóór onze 21e-eeuwse snap-and-share-wereld. Enkele van de meest visueel tot de verbeelding sprekende werken in de show zijn van de Duitse kunstenaar Thomas Bachler, die kleine gaatjescamera's in kartonnen dozen maakte en deze door het Duitse postsysteem stuurde, waar ze passief spectrale en toevallige foto's opnamen. Ze zijn angstaanjagend mooi en lijken een beetje op medische beelden, wazig en grijs met rare buizen en lijnen en draden van schijnbaar organisch materiaal die er doorheen lopen.

Maar op andere manieren is de verandering enorm en zo doordringend dat het bijna onmogelijk is om er een balans op te maken. Het bekende installatiewerk van Erik Kessels 24HRS in Photos is gemaakt van gigantische bergen afgedrukte foto's die zijn verzameld uit 24 uur aan uploads op sociale media. Het is voor deze tentoonstelling in een nieuw jasje gestoken, waardoor een kamer vol foto's is ontstaan ​​die op de vloer zijn opgestapeld en tegen de muren opklimmen. Het lijkt op het eerste gezicht onheilspellend, een waarschuwing voor de grote stortvloed aan beelden die mogelijk wordt gemaakt door mobiele camera's en digitale fotografie. Maar het is ook merkwaardig charmant, met de foto's die weigeren afval te zijn, en de ogen trekken naar mooie mensen, zonnige stranden, spelende kinderen en de rest van het alledaagse leven dat we nooit ophouden te documenteren en bloot te leggen.

Tintoretto, briljant, innovatief en subliem raar

Het is niet alleen het aantal afbeeldingen dat is veranderd. Mensen, vooral jongeren, spreken of converseren nu in beelden en sturen afbeeldingen in plaats van woorden om hun gedachten en gevoelens te uiten. En er is een groeiend besef van hoe onze afhankelijkheid van smartphones pathologisch wordt, een verslaving die de aandacht verstrooit en onze relatie met echte dingen en echte mensen verknoeit. Kunstenaar Kate Hollenbach zinspeelt op de psychologische veranderingen die dit met zich meebrengt in een videowerk genaamd phonelovesyoutoo, waarin ze haar telefoon tuigde om video van haar op te nemen wanneer ze ermee bezig was, om e-mail te checken of op internet te surfen of de GPS-functie ervan te gebruiken. Het resultaat is een matrix van kleine video's van hetzelfde gezicht, in lichte en donkere ruimtes, 's morgens,' s middags en 's avonds, in bed, op straat, wandelend door gebouwen, een zelfopgelegde vorm van omgekeerd toezicht. De emotionele waarde van dit kamergrote raster van beelden is er een van nervositeit, nervositeit, rusteloze, ongerichte energie en dissonantie.

Dan is er Plafond Cat, die direct na de suggestieve video van Hollenbach komt. Het is een goede gespreksstarter voor de museumwereld, een manier om na te denken over de gevaren en kansen in tentoonstellingen zoals deze. Kunstmusea zijn precies het soort instellingen dat kan omgaan met een breed, ingewikkeld onderwerp als Snap+Share, waarbij niet alleen de visuele cultuur verandert, maar ook sociale, technologische en psychologische veranderingen.

Maar het gevaar bestaat altijd dat je te veel verstrikt raakt in de materie. Culturele instellingen snakken naar het soort energie dat door de circuits van het internet lijkt te stromen. Ze snakken naar het publiek dat is opgegroeid met deze systemen voor het maken en verspreiden van afbeeldingen, en ze snakken naar het geld van mensen wiens fortuin is gemaakt in de digitale goudkoorts. Er is ook een tendens, niet ongebruikelijk onder museumprofessionals, om de wereld die wordt verkend in shows als Snap+Share als de toekomst te zien, en omdat iedereen bij de toekomst wil horen, is er een soort stilzwijgende goedkeuring van de technologie, die brengt met het een impliciete goedkeuring van de industrie erachter.

Het is een kleinigheid, maar deze tentoonstelling zou sterker zijn geweest als er geen publiek was uitgenodigd om deel te nemen. Plafondkat is als kunstwerk een uitnodiging tot nadenken. Maar door bezoekers uit te nodigen om de Plafondkat-sculptuur weer te dematerialiseren tot een internetmeme, lijkt de curator te zeggen: dit was allemaal leuk. De kritische afstandelijkheid van de show maakt plaats voor gejoel en gegiechel en feelgood-vibes. De tentoonstelling balanceert op slimme wijze historische observatie van een oud fenomeen - onze behoefte om onze aanwezigheid in de wereld bekend te maken aan anderen - met heldere observaties over hoe technologie ons innerlijk leven en onze sociale relaties verandert. Maar met Ceiling Cat en andere uitnodigingen om foto's te maken en de wereld in te sturen, bezwijkt de show aan het einde voor het magische denken waarmee we onze zorgen over de sociale-mediacultuur op afstand houden: het is ongevaarlijk als we het gewoon een beetje ironisch.

Een echt radicale show zou ons niet zo gemakkelijk van de haak halen. Het zou hebben geëist dat mensen de impuls om te snappen en te delen lang genoeg achter zich lieten om te ontdekken wat snap en delen met ons doet.

Snap+Delen Tot 4 augustus in het San Francisco Museum of Modern Art. sfmoma.org .

De onschuld van Robert Mapplethorpe

'Ivanka Stofzuigen' kruipt onder de huid van de eerste dochter

hoeveel kosten justin bieber tickets?

Toen kunstenaars betekenis vonden in mythen en monsters